When we’re gone — Pedro Matos
When we’re gone
Pal Project, Paris
24.10 – 28.12 2020
Text available in english and french (below):
On the surface incisions appear, crust or partially disappear. They lurk in the background, in the eyes of everyone. Their vocations are political, romantic, ironic, militant, trivial. They often appear as a furtive gesture. They spread over public spaces and fixtures, as if a part of the intimate thought was trying to publicly appropriate a few square centimetres of expression. They end up rendering a persistence to reality, like a material fragment of language. In a way, Pedro Matos interests lie more in an art that transcends ordinary forms through abstraction rather than a transcription of the motif. In this approach it would be more a matter of seizing the effect of the reality than its own anticipation. Political messages, names, insults, love declarations, dates, memes, hieroglyphics signs… Each mark invokes an image of whose texture reflects an abstract quality, if not a perception that crumbles with time.
Before even initiating any kind of pictorial gesture, Pedro Matos acts as a collector of images. He photographs, steals and receives graffiti images as references. Selected work generates the raw material, later manipulated on software then projected on canvas. The digital imagery hence becomes the incipit of the pictorial gesture and influences the experience of the work. When we’re gone, displays melted surfaces of zoomed, almost cryptic graphic inscriptions. The works of Pedro Matos are the result of his online and offline explorations where memories, liquefied by painting, ends up oscillating between capturing and disembodying materiality. The source image experiences spread and loss of information throughout each step of the creative process. Therefore the narrative is not so much focused on the nature of the inscriptions but rather on their asperities and their common intentions to manifest a presence, a moment, a passage. Yet here the “uniqueness of existence”1 disintegrates, the hic and nunc2 is diluted into a more ambiguous and contemplative context, intentionally more vaporous.
The work of Pedro Matos is rooted in the existing porosity between abstraction and representation, one always on the edge of the other, to invest a contemplative feeling. It is this material from reality, underestimated and neglected, that becomes a relic of the ordinary. Paradoxically, it is not after nature but from the image that the pictorial gesture exceeds the time that flows between the initial fleeting gesture and the image, capturing its already abstract decay. What might seem to be hesitating between the figurative and its opposite resolve itself in a painting with a more metaphysical sentiment.
If the marks lose their historicity and their context, they are unified by the image that overhauls everything. The composition allows the projection of a relationship of difference, so that what appeared graphical and subjective creates this “flat” effect of a stretched surface as a new simulacrum. This could be a possible “postmodern” reading of today’s painting, moving away from a philosophical angle towards the form. Where sampling reality means borrowing and reusing the upper and lower registers without distinction3. By picking the ordinary in an attempt to transpose it into the aesthetic realm, the context relating to the media, to the image and to the interactions that flow from it suggests the nature of the pictorial gesture. Ultimately, the evocation of the simulacrum implies passing over the entire depth. It would tend towards a type of superficiality where what is to be seen and felt is formally held in what appears; for Pedro Matos it stands on the threshold of an hermetic surface bound to a sensitive potential.
Any element, even the most insignificant, becomes image, background, texture, surface and arouses another contemplation. Since the world as an object is becoming increasingly image-like, depth has already been supplanted by multiple surfaces4. The work of Pedro Matos bypasses the physical appearance of these incisions and appropriates the immateriality that lies in the will to make our lives eternal, in order to extract a poetics of the everyday as an aesthetic of the time passing by.
– Text by SCANDALE Project (Lucie & Fiona)
1. BENJAMIN, Walter. The work of art in the age of mechanical reproduction. Penguin UK, 2008.
2. Ibidem.
3. JAMESON, Fredric. Postmodernism, or, the cultural logic of late capitalism. Duke university press, 1991.
4. Ibidem.
Works photographed by Maria Rita
Installation views, Pal Project, Paris photographed by Romain Darnaud
Edition by Pedro Matos
Version française:
À la surface des incisions apparaissent, se patinent, ou disparaissent partiellement. Elles se tapissent dans le décor, au regard de tous. Ses vocations sont politiques, amoureuses, ironiques, revendicatrices, anodines. Ses apparences sont souvent celles d’un geste furtif. Elles se propagent sur des espaces et mobiliers publics, comme si une part de la pensée intime tentait de s’approprier publiquement quelques centimètres carrés d’expression. Elles finissent par prêter une persistance au réel, comme un fragment matériel du langage.
D’une certaine manière, Pedro Matos s’intéresse plus à un art qui transcende les formes ordinaires vers le champ de l’abstraction qu’à une retranscription sur le motif. Dans cette démarche il s’agirait davantage de saisir les effets du réel que sa propre anticipation. Messages politiques, noms, insultes, déclarations d’amour, dates, memes, signes hiéroglyphiques… Chaque inscription invoque une image dont la texture traduit une qualité abstraite, sinon une perception qui s’effrite selon la temporalité. Toutes génèrent une interdépendance de l’action humaine et des mutations de la nature.
Avant même d’émettre un quelconque geste pictural, Pedro Matos agit en collectionneur d’images. Il photographie, subtilise et reçoit des images de graffitis comme références. Le travail de sélection génère la matière première ensuite manipulée sur logiciel puis projetée. L’imagerie numérique devient ainsi l’incipit du geste pictural et influe sur l’expérience faite de l’œuvre. When we’re gone, déploie des surfaces fondues aux inscriptions graphiques zoomées, quasiment cryptiques. Les œuvres de Pedro Matos sont le résultat de ses explorations online et offline dont leurs souvenirs liquéfiés par la peinture finit par osciller entre saisir la matérialité et la désincarner. A chaque étape du processus créatif, les informations de l’image source s’augmentent et se perdent. La narration ne se soucie plus tant de la nature des inscriptions que de leurs aspérités et de leurs intentions communes de manifester une présence, un moment, un passage. Mais ici « l’unicité de l’existence »(1) se désagrège, le hic et nunc (2) (l’ici et maintenant) se dilue dans un contexte plus ambigu et contemplatif, volontairement plus vaporeux.
Le travail de Pedro Matos se construit sur la porosité présente entre l’abstraction et la représentation, l’une toujours au bord de l’autre, pour investir un sentiment contemplatif. C’est cette matière du réel, sous estimée et négligée qui devient relique de l’ordinaire. Paradoxalement, ce n’est pas d’après le motif mais d’après image que le geste pictural excède le temps qui s’est engouffré entre le geste initial fugace et son image capturant sa détérioration, déjà abstraite. Ce qui pourrait paraître hésitant entre le figuratif et son opposé se résout dans une peinture au sentiment plus métaphysique.
Si les inscriptions voient leur historicité s’éloigner, leur contexte happé, elles sont comme unifiées par l’image qui remet tout à plat. La composition permet de projeter un rapport de différence qui met en relation, si bien que ce qui apparaissait graphique et subjectif donne cet effet « flat » d’une surface étirée comme nouveau simulacre. Il pourrait s’agir ici d’une lecture « postmoderne » possible de la peinture actuelle, s’écartant de la pensée philosophique pour aller vers la forme. Où “sampler” le réel revient à emprunter et réemployer le haut et le bas registre sans distinction (3). En récupérant l’ordinaire pour le transposer dans le champ esthétique, le contexte relatif aux médias, à l’image et aux interactions qui en découlent suggère la nature du geste pictural. Enfin, l’évocation du simulacre revient à faire passe sur toute la profondeur. Ce serait tendre vers un type de superficialité où ce qui est donné à voir et à ressentir se tient formellement dans ce qui apparaît, chez Pedro Matos toujours au seuil d’une surface hermétique au potentiel sensible.
Tout élément même anodin devient image, fond, texture, surface et suscite une autre contemplation. Puisque le monde pris comme objet gagne en propension à faire image, la profondeur a quant à elle d’ores et déjà été supplantée par de multiples surfaces (4). Le travail de Pedro Matos passe outre l’apparence physique de ces incisions et s’approprie l’immatérialité qui réside dans la volonté de rendre nos vies éternelles, pour en dégager une poétique du quotidien comme esthétique du temps qui passe.
SCANDALE Project (Lucie & Fiona)
1.BENJAMIN, Walter. L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique. Éditions Payot, 2013
2.Ibidem.
3.JAMESON, Fredric. Le postmodernisme ou la logique culturelle du capitalisme tardif. Beaux-Arts de Paris Éditions, 2017.
4.Ibidem.